Lost

E estavam todos mortos...

Fica a desilusão para quem esperava um final científico e surpreendente.

As interpretações do final de Lost podem ser muitas e variadas, não que seja um final totalmente "em aberto" mas deixa muitas coisas por explicar.

A minha interpretação pode mudar com a distância do tempo e depois de pesquisas mais profundas. Até agora, limitei-me a ver a série até ao final.

Isto é apenas uma opinião subjectiva.

Houve um acidente de avião e morreram todos.
A série constrói-se, então, a partir da alma/mente de uma pessoa - Jack Shephard - que vagueia num limbo imaginário tentando alcançar a libertação de si próprio e do seu apego ao que foi a sua vida e ao que foram as suas convicções.

Trata-se de uma espécie de "tratado filosófico e existencialista televisivo" onde se cruzam personagens e cenários sociais representativos do que o homem é interior e socialmente.

Homens e mulheres com personalidades e histórias de vida complexas são colocados num ambiente totalmente virgem. Podem começar as suas histórias de novo, sendo que ninguém os conhece.
Têm, porém, que lutar contra os fantasmas do passado.

Não vale a pena falar de cada uma das histórias, todos já as conhecem pelo que, dou um passeio rápido pela de Jack, que funciona como o fio condutor de tudo:

Jack morre quando vai buscar o corpo do pai à Austrália; pai com que tinha uma relação extremamente conflituosa - Jack morre num momento em que sente rancor pelo pai e sente que não poderá já resolver os seus conflitos (uma vez que aquele havia morrido).

O médico vive na ilha sendo o que sempre foi: líder natural, sempre a tentar resolver tudo e carregando em si a responsabilidade de tomar conta de todos os outros.
Ao mesmo tempo vê o pai na ilha, assim como se vêem outras coisas estranhas (sendo os mortos apenas uma delas). O pai de Jack surge também como uma das facetas do "fumo preto", símbolo do mal.

Temos Jacob como face da harmonia e bem e o "fumo preto" representando o caos, a revolta e o mal. Muitas vezes Jack não consegue discernir qual deles é o bem e o certo, seguindo ora um, ora outro.

A iniciativa dharma e a questão das radiações da ilha não passam da representação de mais uma crença do homem - a crença actual na ciência como explicação para o real.

Tudo o que acontece de estranho da ilha - ursos polares, viagens no tempo e no espaço inexplicáveis, curas repentinas- tem os limites da nossa mente. Se estão todos mortos e a única coisa que sobreviveu foi o espírito/mente, tudo o que acontece, tudo o que "é", tem de estar ao nível do mental e não do físico - tem os limites da nossa concepção mental.

No fim, a ideia principal: "move on".
A série era isso- todo o percurso espíritual de Jack na aceitação da sua própria morte. A reconciliação com o pai, com ele mesmo, o deixar para trás tudo o que foi a sua vida e seguir em frente.

Curioso o vitral que aparece na igreja onde todos os personagens se reúnem no último episódio: tem os símbolos de várias das mais importantes crenças do homem : Cristianismo, Hinduísmo, Judaísmo, Budismo.

The Road

"The Road" é um filme de John Hillcoat baseado no livro de Cormac McCarthy que conta a demanda de um pai e um filho por um local melhor para sobreviver. O cenário é um mundo pós apocalíptico onde todas as formas de vida estão a definhar.

Pai e filho seguem até ao sul arrastando um carrinho de compras com os seus parcos e miseráveis pertences, tendo como companhia constante a fome e o frio.
Toda a história se baseia no que encontram pelo caminho: a miséria humana nas mais bizarras variantes e, na forma como a sua humanidade reage às provações da sobrevivência.

É-me impossível não comparar este filme com o "Ensaio sobre a Cegueira" de Fernando Meirelles, pelo tema e pela forma como os homens são retratados quando submetidos a uma anarquia forçada e à selvática luta por mais um dia de vida.

O mundo surge sempre em tons de cinzento num ambiente de total abandono e destruição.
A prioridade deste pai é a sobrevivência do filho, a procura constante de comida e roupa num terreno infértil e impiedoso. O pai, tenta ainda preparar o seu filho psicologicamente para sobreviver sozinho, ensinando-lhe também a melhor forma de se suicidar se for apanhado por um "homem dos maus".
O principal medo é, por um lado morrer de fome e frio e, por outro, ser apanhado por um dos muitos grupos de homens e mulheres canibais que foram surgindo. Em simultâneo existe a luta para eles próprios não tornarem a sua humanidade refém da sua sobrevivência animal.

Sem ser muito original na temática, trata-se de uma obra tocante sobre amor e esperança numa humanidade que oscila entre a selvajaria mais atroz e a sensibilidade mais sublime.

Este filme foi uma viagem muito tocante ao que existe de mais íntimo e puro em cada homem, seja uma inclinação terrível para o mal ou o tipo de compaixão que só se encontra no espírito ainda puro e inocente de uma criança.

De notar ainda os diálogos simples e perfeitos e a excelente interpretação de Viggo Mortensen e Kodi Smit-McPhee como pai e filho.

Actividade Paranormal

"Paranormal Activity" é, sem dúvida, um filme barato. Se é um bom filme ou não depende das expectativas e preferências de cada um.

Para quem gosta deste género de terror é um bom filme, para quem não dispensa efeitos especiais e monstros irreais já não será tão bom.

Fui ver o filme com moderada expectativa mas, ao contrário de considerável parte dos espectadores não vi as minhas expectativas goradas, muito pelo contrário.
Sou um pouco suspeita porque gosto especialmente de filmes com pouca produção, principalmente neste género que vigora desde o " Blair Witch Project".

Na minha opinião o que define realmente um filme é a ideia original e todo o guião que lhe dá forma (Seja ele em papel ou estando apenas na mente do autor). Este guião vai definir o que um filme deve ser, o ambiente que deve geral, a forma como uma história ou um acontecimento vai transformar-se numa sequência lógica de acontecimentos ou pensamentos aos olhos do espectador.
Depois, a produção pode ser muita ou pouca, boa ou má, mas não é ela que vai definir o filme ou a sua viabilidade.

Este filme teve um guião muito bom e a ideia é simples mas foi muito bem concebida.

Temos uma situação que não é estranha a ninguém; se nunca vivemos esta experiência
conhecemos alguém que conhece alguém que jura que a viveu.
De uma forma ou de outra, estes fenómenos paranormais estão presentes no nosso imaginário desde a infância, não se trata de monstros inverosímeis ou fantásticos mas de "paranóias" que nos podem ser mais ou menos familiares.

Depois, temos todo o ambiente que nos aproxima dos personagens. Um casal jovem e
banal, tão banal que podíamos ser nós, aquela podia ser a nossa casa ou dos nossos amigos. Ela é uma rapariga simpática, meiga, assustada e comum. Ele, o namorado céptico, bem humorado e brincalhão que não leva a situação muito a sério mas sente-se desafiado por ela ( a situação).

Durante a primeira metade do filme não se passa quase nada. Ficamos como mirones a observar o quotidiano daquelas duas pessoas: as suas conversas, brincadeiras e actividades banais de quarto, cozinha e casa de banho.


Tudo o que acontece não passa de senso comum: as actividades paranormais mais ou menos intensas, a ideia de que não devemos mexer com entidades malignas sem as convidar de vez entrar na nossa vida é o que acontece na película: é aberta uma porta e a criatura invisível impõe-se; ela deixa de mexer com pequenas coisas e começa a mexer com as pessoas, qual demónio brincalhão divertindo-se a estraçalhar os nervos de Micah e Katie e também os nossos.
Assustamo-nos com a escuridão, com um barulho e com tudo que não acontece (e que não sabemos o que é) qual crianças pequenas com medo do que está no armário ou debaixo da cama.

Quando a entidade começa a mexer com as pessoas torna-se arrepiante, aquela coisa que podia não ser nada começa a mexer verdadeiramente com Katie e permanece completamente anónima; sabemos que está ali (temos provas físicas) mas não podemos ver e não podemos fugir.
No final, acontece o mais ou menos imprevisível e é perfeito.

Vi o filme em Ponta Delgada e, aqui, faz-se intervalo a meio do mesmo; durante o intervalo um casal (talvez aborrecido com a falta de acção) retirou-se e não voltou durante uns 30 minutos.
Quando voltou já estávamos na parte em que a entidade paranormal tomava conta de Katie levando-a a ter atitudes bizarras como ficar parada, em pé, durante horas, na mesma posição virada para o namorado enquanto este dormia. A rapariga que que havia saído da sala resolveu ir buscar as pipocas mesmo depois disto e o facto de ver uma rapariga de pé ali ao meu lado estava a dar-me cabo dos nervos.
O meu inconsciente dizia-me que devia perguntar-lhe o que estava ali a fazer em pé, a meio do filme como uma tola e dei por mim a olhar para ela com bastante impaciência
Et voilá, uma fórmula barata e muito eficaz de fazer um bom filme.

Inglourious Basterds

Desta vez Tarantino escolheu um momento histórico (a queda do regime nazi, personificado nas figuras de Hitler e Goebbels), para aplicar a sua forma muito própria e altamente eficaz de fazer cinema.

A fórmula é a de sempre: uma vingança mais ou menos planeada (neste filme menos planeada); personagens frios, decididos e brutais; a mulher bela e loura que é a chave de todo o enredo e que aplica o golpe mortal, acabando com o adversário definitivamente de uma forma exuberante e dramática.

Menciono o adversário e não o mau da fita porque aqui é disso que se trata. Apesar de historicamente os nazis serem os maus da fita, nesta fita eles não são especialmente maus. São os adversários dos judeus, judeus esses que por sua vez, vão exercer sobre eles a sua vingança. Ela será levada a cabo pelas mãos dos “Basterds” liderados por Brad Pitt coadjuvado por uma jovem judia que viu a família ser dizimada por nazis e que, por um acaso da vida, teve a oportunidade de se vingar.

Nesta obra, que já tinha sido pensada antes de “Kill Bill”, nada parece ter sido deixado ao acaso, desde a magnífica banda sonora, ao ambiente criado pela produção, ao guião (escrito com um tom de humor muito especial), e às personagens extremamente carismáticas vividas pelos actores certos.
No entanto, há que destacar o papel crucial dos diálogos extremamente envolventes e dotados de um magnífico sentido de humor que conduziram todo o filme.
Brad Pitt foi uma escolha acertada, provou mais uma vez ser um dos melhores actores da sua geração com o engraçadíssimo Aldo Reine.

O coronel Hans Landa é outra personagem inesquecível interpretada brilhantemente por Christopher Waltz que deu à sua personagem a intensidade perturbadora de um homem muito inteligente e hábil a lidar (e a incutir) um verdadeiro terror psicológico apenas com o olhar e palavras, metódico, maníaco e finalmente, corruptível.

A única coisa que me chateou foi encontrar novamente o actor hispano-alemão Daniel Brühl. Parece que ele está em todas… Não há filme que veja, onde a Alemanha seja mencionada, em que ele não surja. Não é pessoal mas dou por mim a questionar-me se não existirá mais nenhum rapaz jovem na indústria do cinema alemão, porque ele não é assim tão bom actor para ser sempre a única escolha.

Um apontamento para a fatiota fashion de Hitler: um meio casaco branco de senhora preso à farda com uma corrente, encaixou bem no carácter ridículo e doentio com que Tarantino o representou.

Harvey Milk

“Eu só peço isto:

Se me assassinarem.

Peço uma mobilização

de cinco, dez, cem, mil pessoas.

E se uma bala entrar

no meu cérebro

que destrua cada

porta fechada.

Peço que continuem

com o movimento.

Porque não se trata

de um jogo pessoal.

Não se trata de poder.

Trata-se sim, daqueles como nós

espalhados pelo mundo.

Não apenas os gays.

Mas os negros, os asiáticos,

os idosos, os deficientes. 'Nós'.

Sem esperança,

'nós' desistimos.

Eu sei que não podemos ter

esperança quando estamos sozinhos,

mas sem esperança,

não vale a pena viver.

Por isso, você...

e você, e você.

Têm que os fazer acreditar.

Têm que os fazer acreditar.”

“Mais de 30 mil pessoas fizeram uma

marcha desde o Castro até à Câmara

para homenagear

o Supervisor Harvey Milk”.

Velvet Goldmine

Mais do que uma história, Velvet Goldmine é uma viagem alucinante pelo ambiente musical do chamado “Glam Rock” vivido em Londres no início dos anos 70. Nesta época, como não podia deixar de ser, a revolução musical estava intimamente ligada a uma revolução na cultura e nos valores vigentes.

Depois dos anos 60, dos Hippies e das flores, surge a liberdade sexual e a liberdade provocante de exibir comportamentos e estilos de vestir e de estar de uma grande ambiguidade sexual. Os grandes ídolos do pop rock passaram a pintar-se, a usar botas de salto alto, muita purpurina e lantejoulas, tudo o mais brilhante e colorido possível de forma a passar uma imagem andrógina e exuberante ao mesmo tempo. A música acompanhava o novo estilo, com letras provocantes e exibições em palco que deitavam abaixo qualquer regra moral.

Nesta obra, as personagens são ficcionais, prevalecendo apenas as músicas, verdadeiros ícones do Glam Rock, tocadas em versões de diversos artistas actuais como alguns elementos dos Radiohead e outros ligados a bandas da época como os “Roxy Music”. No entanto, os personagens Brian Slade e Curt Wilde, magnificamente interpretados por Jonathan Rhys-Meyers e Ewan McGregor são indubitavelmente inspirados nas performances de David Bowie e Iggy Pop nos anos 70. Desta forma, o imaginário e poder criativo do realizador juntou-se à realidade musical do pop-rock e pós-punk da época dando origem a este filme delicioso.

A estrutura do enredo foi criada de uma forma bastante hábil e relativamente simples: começa com o nascimento de Orson Wells e um broche verde que surge no cobertor do bebé e vai acompanhando toda a história e vários personagens como o símbolo do acto de sonhar (e, segundo Curt Wilde da imagem e do estilo).
A figura através da qual o nascer e desmoronar de uma estrela de rock é contada, é um jovem fã de Glam Rock, Arthur, que se torna jornalista e, 10 anos depois da saída de cena de Brian Slade (após simular o seu próprio assassinato em palco) é encarregue de fazer uma reportagem sobre o paradeiro da velha estrela.
Arthur, irrepreensivelmente interpretado por Christian Bale, desfia a história do Glam Rock na pessoa de Brian Slade, enquanto inevitavelmente é confrontado com o seu próprio passado, onde se cruza com as personagens da sua própria história. Arthur revê uma adolescência onde descobriu uma homossexualidade num ambiente de revolta e incompreensão por parte dos pais mas também num ambiente de sonho embriagante, alimentado pela admiração que sentia pelos artistas da época e a sua vida repleta de mistério e glamour.

Não poderia destacar uma só cena deste filme, pois são todas bastante interessantes e cada uma tem a sua beleza muito própria, mas destaco a excelente banda sonora e figurino. Não posso deixar de sublinhar mais uma vez as excelentes interpretações de Ewan McGregor, Jonathan Rhys-Meyers, e também de Toni Collette e Christian Bale e a forma sensível e verdadeiramente artística como o autor desenvolveu a relação dos 4 personagens interpretados por eles.

Devo confessar que quando percebi que Brian Slade ia ser interpretado por Jonathan Rhys-Meyers (que estou habituada a ver como o másculo Henry VIII na série “Os Tudors”) achei que não ia resultar mas, a forma como ele vestiu aquele personagem, a ingenuidade que lhe imprimiu nos primeiros tempos e a forma como ele e Ewan McGregor vivenciaram o seu romance foi simplesmente comovente…

Sou profundamente suspeita pelo apego que tenho ao estilo de música que constitui a banda sonora do filme mas, este é, sem dúvida, um musical muito bem conseguido. As músicas encaixam como uma pele em cada cena e embalam o filme como um sonho pleno de cenários brilhantes, misteriosos e irresistíveis.

Rachel Getting Married

Rodado como uma produção caseira, “Rachel Getting Married” é a reportagem de um casamento e a radiografia de uma família de “gente normal” que passou por um momento difícil no passado.
A figura central do filme (o ângulo através do qual vemos este casamento e conhecemos esta família) é a irmã mais nova da noiva que sai de uma clinica para assistir a este casamento. Trata-se de uma rapariga com problemas de drogas que não se consegue perdoar pela morte do irmão (a seu cargo quando morreu de acidente num automóvel que ela conduzia sob o efeito de drogas).
Rachel é a noiva, é também a irmã mais velha que viu toda a atenção ser sempre dispensada à irmã problemática. Rachel é a "quase doutorada em psicologia" que compete em atenção com a irmã mais nova usando os truques mais básicos e infantis.
Temos, nesta obra, uma miscelânea de pessoas reais, imperfeitas, que buscam o seu lugar no mundo sem tentarem com muita convicção serem o que não são.
O mundo interior versus mundo que tentamos exteriorizar. A luta constante entre o que somos, o que queremos ser, o que julgamos que queremos ser e o que queremos que os outros pensem que somos.
A procura da felicidade e do bem-estar consciente num mundo complexo, cheio de seres que lutam com os seus próprios conflitos e mostram algo que está longe da verdade que guardam para eles próprios.
O relacionamento de duas irmãs e de uma mãe com uma filha que, sendo próximas pelos mais chegados laços sanguíneos não deixam de ser dois seres humanos completamente independentes na sua existência e luta pelo lugar no mundo.
Um filme que mostra a pessoa sem eufemismos e retoques de produção: o ser real com as suas dúvidas, defeitos e fragilidades, com os seus cinismos e incongruências.
O ser que quer estar nos centro das atenções, o ser que reflecte a opinião do próximo, que precisa de ser aceite para se aceitar a si mesmo, nem que para isso tenha que desafiar tudo e todos e testar os seus próprios limites.
Tudo isto se passa no casamento de uma rapariga branca comum com um rapaz negro comum, dois amantes de música alternativa, que misturam diferentes contextos culturais num casamento indiano povoado de convidados de todas as etnias. Um casamento onde se encontra a raça humana, plena de distinções e sabores, onde reina o reggae, o jazz, samba, onde todos são aceites e bem-vindos, com as suas particularidades e os seus defeitos… ninguém é julgado ou aclamado, simplesmente aceite…
Os conflitos humanos postos a nu…. Sem pudores ou hipocrisias… ou melhor, com todos os pudores e hipocrisias que fazem parte da nossa natureza.
Um filme que não vai bem com pipocas, tendo em conta o enorme risco de, a determinada altura, nos sentirmos um burro a roer palha.